Emilio Vedova (Venezia, 1919 – 2006) è stato uno dei protagonisti assoluti dell’arte italiana del Novecento, interprete radicale di una pittura che ha fatto del gesto, del conflitto e della tensione etica il proprio linguaggio fondante. Pittore, incisore e partigiano, Emilio Vedova ha attraversato il secolo trasformando l’esperienza storica, politica ed esistenziale in una pratica artistica sempre inquieta, refrattaria a ogni forma di accademismo e pacificazione formale.
Nato a Venezia in una famiglia di artigiani-operai, terzo di sette figli, Emilio Vedova si forma da autodidatta negli anni Trenta, lavorando prima in fabbrica, poi presso un fotografo e nella bottega di un decoratore. Fin dagli esordi il disegno e la pittura diventano per lui strumenti di conoscenza e di urgenza espressiva. I suoi primi riferimenti affondano nella tradizione veneziana, da Tiziano a Tintoretto e Guardi, ma anche nei grandi maestri europei come Rembrandt, Goya e Daumier. Un ruolo decisivo è svolto dall’architettura barocca veneziana, con il suo dinamismo instabile, i contrasti di luce e il senso di uno spazio aperto e drammatico.
Negli anni Quaranta Vedova entra in contatto con il gruppo di Corrente e con artisti come Renato Guttuso e Renato Birolli. L’esperienza della guerra e della Resistenza, vissuta tra Roma e le colline piemontesi, segna profondamente la sua ricerca. Ferito durante un rastrellamento, Vedova riversa nei lavori del dopoguerra un sentimento di tensione, protesta e dolore che si traduce in una progressiva deformazione della figura. Opere come Assalto alle prigioni e Incendio del villaggio testimoniano una fase di transizione in cui la rappresentazione della realtà si incrina, aprendo la strada a un linguaggio sempre più astratto e gestuale.
Nel 1946 è tra i firmatari del manifesto Oltre Guernica e tra i fondatori della Nuova Secessione Italiana, poi Fronte Nuovo delle Arti. La partecipazione alla Biennale di Venezia del 1948 segna un momento di svolta, mentre nel 1952 una sala personale sancisce il passaggio dal geometrismo delle cosiddette “geometrie nere” a una pittura dominata dal segno spezzato, dal fendenti di colore e da una gestualità sempre più libera. In questi anni Emilio Vedova si afferma come una delle voci centrali dell’Informale europeo, pur mantenendo una forte autonomia poetica.
Gli anni Cinquanta e Sessanta sono segnati da cicli fondamentali come Scontro di situazioni, Ciclo della Protesta e Cicli della Natura. Il segno diventa azione, il quadro campo di battaglia, luogo di una traduzione diretta dei sentimenti di paura, rabbia e tensione. Nel 1960 riceve il Gran Premio per la pittura alla Biennale di Venezia. Parallelamente, Vedova supera i confini tradizionali della tela: nascono i Plurimi, strutture pittoriche tridimensionali che invadono lo spazio e coinvolgono lo spettatore in una visione simultanea e instabile. Come scriverà Achille Bonito Oliva, si tratta di una vera e propria “teatralizzazione dei piani pittorici”.
Fondamentale è anche il dialogo con altre arti. La collaborazione con Luigi Nono per Intolleranza ’60 e successivamente per Prometeo, con la direzione di Claudio Abbado e i testi di Massimo Cacciari, testimonia il desiderio di Vedova di abbattere ogni confine disciplinare, trasformando l’arte in un’esperienza totale. Negli anni Settanta e Ottanta, tra Plurimi binari, Carnevali e Teleri, il colore esplode in grandi superfici, mentre il gesto si fa ancora più fisico e drammatico.
Negli ultimi decenni, con cicli come Dischi, Tondi, Oltre e …in continuum, Emilio Vedova continua a interrogare i limiti della pittura, spingendo il colore oltre il supporto e coinvolgendo pavimento, pareti e soffitto. I riconoscimenti istituzionali, dal Premio Feltrinelli dell’Accademia dei Lincei al Premio alla Carriera della Biennale di Venezia, confermano il ruolo centrale dell’artista nella storia dell’arte contemporanea.
Alla sua morte, nel 2006, Venezia perde uno dei suoi interpreti più radicali. Oggi l’eredità di Emilio Vedova vive nelle grandi collezioni museali internazionali e nello spazio dei Magazzini del Sale, recuperato grazie a Renzo Piano, dove le sue opere continuano a muoversi, letteralmente e simbolicamente, restituendo l’idea di un’arte mai definitiva, sempre in tensione con il presente.
